现代音乐风格时期及作曲家简介
现代音乐风格时期及作曲家简介（ 1900 ～）
20 世纪的欧洲是一个剧烈动荡的时代。两次世界大战对人类物质和精神文化带来前所未有的浩劫。自然科学和人文科学的疾速发展，不断更新着人们的观念。社会化的大生产、经济的大萧条和迅速增长改变着人们的生活、心理和思维方式。
西方音乐在 20 世纪呈现出多元化的纷繁局面。对于传统的怀疑和决裂，不仅表现在对 19 世纪音乐的反叛，甚至抛弃自文艺复兴以来的各种音乐准则。在这个“普通人的世纪”里，作曲家们追求个性的充分展示，他们不再按照同一的思想和方法去创作。即使在一个“主义”或“流派”的旗帜下，不同代表人物的风格也是大不相同。西方音乐自律的性质向极端发展，音乐放弃传统审美模式，试验探索新奇的手段、音响，致使音乐与听众的隔阂逐渐加大。当然还有许多作曲家仍然在传统基础上继续发展。
1922 年左右，斯特拉文斯基的《春之祭》、巴尔托的《猛烈的快板》、勋伯格的《月迷彼埃罗》的出现代表了 20 世纪一次世界大战之前欧洲出现的对传统欧洲音乐反叛的浪潮。它们无视浪漫主义的热烈炽情，印象主义的唯美静观，甚至千年来形成的音乐美的准则，也被无情地打破了。这三部当初听众似乎是无法接受的作品，现在已被认为是 20 世纪的古典作品，它们代表着上半世纪的一些主要音乐倾向。
20 世纪初，欧洲新的民族主义音乐也获得发展。 20 世纪民族乐派的作曲家通过录音机，更精确的记录下民间音乐的原貌，并寻求民族的原始音乐灵性。他们采用 20 世纪的现代音乐技法、尖锐的谐和音、打击乐般的节奏和古代的调式。
一次大战前，艺术表现主义扩展到音乐领域。主要代表人物是勋伯格、贝尔格和韦伯恩，被称为“新维也纳乐派”或“第二维也纳乐派”。表现主义力求表现主观的内心感受，偏爱紧张奇异。而与浪漫主义不同的是表现主义的创作常常源于内心深处强烈的冲动，通过心灵的潜意识对现实的感受进行夸张、变形。它的题材中的现代社会的人，往往处于难以解脱的内心冲突、紧张、焦虑和恐惧之中。
第一次世界大战后，新古典主义成为欧洲乐坛时兴的音乐潮流。战争带来的社会、政治的剧变，心灵的创伤，引起了艺术趋向传统的回归。他们极力排斥浪漫主义音乐中那种强烈的主观性，把巴洛克音乐的客观、超然的因素作为自己艺术的准则，力图复兴古典主义或古典主义以前时期的音乐风格和特征。作曲家重新使用均衡的形式和清晰可辨的主题进行这种早期风格，以此代替晚期浪漫主义中他们认为日趋夸张的姿态和松散形式。由于新古典主义者比较倾向于采用扩张的调性、中古调式甚或无调性之类的技法，而不是重新恢复真正（维也纳）古典主义的按功能进行组织的调性系统，因而前缀次“新”常常带有模拟或歪曲真正的古典主义特点的意味。
20 世纪上半叶，实验音乐倾向越发明显。如：使用微分音作曲，即音程的最小单位不是半音音程，而是小于半音的 1/4 音或 1/6 音；把日常生活中可听到的噪音作为音乐作品的基本音响材料等等。
在 1945 年以后西方更加纷繁的音乐流派风格中序列音乐最早受到音乐界的广泛注意。二战时曾被禁止演出的新维也纳乐派的十二音作品，战后特别引起一批青年作曲家的好感。 1946 年他们云集达姆施塔特的“新音乐假期训练班”学习，研究韦伯恩的音乐。拉开了战后序列音乐发展的帷幕。十二音音乐的有序性仅表现在音高上。 50 年代出现的序列音乐，不仅在音高上采用序列手法，在节奏、力度、音色等方面也同样采用序列手法，因而它也称作“整体序列音乐”。新古典主义的代表斯特拉文斯基也在 50 年代转向序列音乐。
与音度有序性的序列音乐截然相反的另一个极端——偶然音乐。它强调非理性直觉、偶然性及一时冲动对音乐作品的决定性作用。在创作偶然音乐时，作曲家可以用掷骰子来决定音乐素材，或偶然选择音响构成乐曲。他们虽然安排乐曲的章节，但允许演奏者在演奏时自由选择演奏秩序。因此，演出成为音乐的“偶然”，乐曲每一次演出都会有不同的面貌。
电子音乐的出现是二次大战后西方音乐的一个重要进展。 60 年代电平控制合成器问世后，大大简化了电子音乐的创作过程（磁带创作的电子音乐过程复杂、耗时长）扩大了音响表现的范围，还可以现场即兴创作演奏。
60 年代后期在绘画、雕刻艺术的影响下，在美国出现了间约派音乐。与高度有序、复杂的序列音乐形成对照，简约派追求音乐的极度简朴，他们有意将节奏、旋律、和声和配器限制在非常小的范围内。在印度和印度尼西亚音乐的影响下，他们注意旋律与节奏的微细变化。
70 、 80 年代出现了新浪漫主义，它标致着西方对 19 世纪浪漫主义音乐厌弃了四分之三世纪以后的一种回潮。新浪漫主义音乐又恢复了音乐的调性、功能、和声，并注意感情表现，甚至经常引用 19 世纪浪漫主义作曲家的音乐材料。同时音乐中采用了 20 世纪出现的更丰富的音乐语言、手法和风格，形成了浪漫主义和现代主义的结合。 本时期著名作曲家：
萨蒂
埃里克·萨蒂（ Satie， Erik Alfred Lestlie 1866 ～ 1925 ）
出生于法国，早年进入巴黎音乐学院学习。据说萨蒂虽有音乐天赋，但却生性不羁，不喜欢接受严格的正规训练，因而虽在音乐学院断断续续地读了几年，但成绩都不太好。不过在此期间，他却出版了他的第一部钢琴作品。
1888 年他写出了他最著名的钢琴作品《裸体歌舞》。
之后，萨蒂加入了一个神秘的玫瑰十字教派，并为该教派创作乐曲。此后他似乎才思枯竭，十多年的时间只写了为数不多的几首作品，直到 1903 年才写出了《梨形曲三段》。
1910 年开始已有一些年青音乐家被他吸引，由奥里克、迪雷、奥涅格、米约、普朗克和塔耶弗尔组成的“六人团”对他更是顶礼膜拜，深受其影响。
1917 年，他创作的采用爵士乐节奏并在配器中加入厂打字机、轮船气笛和警报器声响的芭蕾舞剧《游行》问世，从此一举成名，而此时的萨蒂已是 51 岁的老人了，可谓大器晚成。
1925 年 7 月 l 日萨蒂因为肝癌去世。
萨蒂一生留下的音乐作品并不算很少，除了戏剧音乐和管弦乐，仅钢琴独奏曲 ( 包括改编曲 ) 就约有 150 首。萨蒂的音乐力图突破浪漫主义的窠臼探寻新的音乐词汇。其实当时的印象派作曲家都深受萨蒂的影响，因此也有人说萨蒂是印象派的鼻祖。他的音乐简洁洗练、锐意创新，用了许多前无古人的新技法。但与勋伯格、斯托克豪森等先锋派音乐家不同，他不是采用大量半音音阶模糊或取消调性的手法去表现乐思，而是用取消小节让节奏变形，在乐句结束时不作“解决”等技术来处理音乐。因此给人感觉非但不那么刺耳，反如一幅幅若隐若现的图景，在记忆中交错转换，在某些作品中与德彪西的音乐有异曲同工之趣。
萨蒂的钢琴音乐清淡而简洁，通常很短小，在表达上直截了当，既没有宏大的气势，也没有虚饰的伤感。钢琴音乐数量相对较大，其中包括《梨形曲》、《（为一只狗而作的）松弛的前奏曲》和《（为一只狗而作的）松弛的真正的前奏曲》、《冷淡曲》、《可憎的一瞥》、《沉思的游鱼》、《帷幔前奏曲》、《木制胖好人的素描和媚态》、《消瘦的雏形》、《脱水的胎儿》、《烦人的高贵圆舞曲》、《圆舞曲，我要你》、《英雄天门前奏曲》、《古老和即时的时刻》、《玄秘曲》、《玫瑰十字架的第一箴言》和《来自玫瑰十字架的钟声》等。
他的钢琴曲《烦恼》把一个主题重复了 840 次，恐怕这是世界上最长的钢琴曲，演奏时间大约 18 个小时。据记载， 1963 年在纽约的一次演出， 10 位钢琴家轮流上阵，最后现场只剩下 6 位观众，包括一名打着呼噜的记者。不过，这并不意味着《烦恼》不是一首好听的乐曲——只要你不按萨蒂的要求听上 840 次的话。
戈多夫斯基
戈多夫斯基斯克里亚宾
亚力山大·尼古拉耶维奇·斯克里亚宾（ Alexander Nikolayevich Scriabin， 1872 ～ 1915 ）
俄国作曲家，钢琴家。斯克里亚宾于 1872 年 1 月出生在莫斯科的一个贵族家庭，他的母亲也是一位钢琴家，可惜因肺疾早逝，父亲常年在国外服役，因此斯克里亚宾从小由奶奶和姑妈抚养大。少年时代斯克里亚宾在兹伐尔钢琴学校学习，在那里他遇见了日后与他比肩的另一位俄国音乐界巨人拉赫玛尼诺夫。这对少年同学相识时，斯克里亚宾十三岁，拉赫玛尼诺夫十二岁。钢琴学校的兹伐尔老师本人很富裕，他不收学费但对学生要求很严格。所有的学生都出自良好的家庭背景。在学校里，孩子们每天六点钟起床，开始十六小时的学习，除了音乐外还包括语言和礼仪。少年斯克里亚宾无比迷恋肖邦，夜里睡觉时常把肖邦的乐谱垫在枕头底下。
1903 年他的第三交响曲和第四奏鸣曲实验新的和弦技巧，包括属变和弦，变化的九和弦和“神秘和弦”，不和谐音的相互叠加使键盘演奏变得异常困难和复杂，而神秘主义元素于其中隐现闪烁。取名“圣诗”的第三交响曲运用宏大的乐队，表达肉体的欢愉、神性的起舞、造物的意志。斯克里亚宾自己认为这部交响乐是他创作生涯的转折点——“这是我第一次在音乐中发现光，我第一次体会到欢乐中的沉醉、搏斗和窒息。”他不时在乐谱上注解道“发光地，闪光渐强。”斯克里亚宾的私生活也随着他的神秘主义思想发展而潜移默化。他逐渐养成了一些奇怪的癖习，例如强制性洗手癖，触摸钞票前一定要戴手套；他花在化妆间的时间几乎和女演员一样长，检查皱纹、担心脱发；疑心病不断加重。他抛弃道德束缚犹如瓦格纳。他相信“做自己所想比不做困难得多”，所以“做自己所想”的人是值得尊敬的。—— 1904 年他抛弃了妻子和四个孩子，和学生塔蒂爱纳生活在一起，并宣称此举也是“为艺术献身”。但是他的妻子维拉（也是一位钢琴家）拒绝和他离婚，这导致斯克里亚宾和塔蒂爱纳在其后的五年间流亡国外。
1906 年 12 月，斯克里亚宾应旧日同窗阿特舒乐之邀第一次登陆美国，在纽约举行了一场独奏音乐会，次日各大报纸都称呼他作“ 哥萨克肖邦”。哥萨克肖邦，多么迷人：肖邦的优柔缱绻交织在哥萨克热烈奔放，哥萨克的狂荡不羁追逐肖邦的激情浪漫！世纪交替后不久，斯克里亚宾开始在音乐创作中大胆尝试发展他的出世神秘主义风格，这一风格主宰了他的后期作品。
1907 年初斯克里亚宾把塔蒂爱纳接到美国，立即被当地媒体抓住小辫，阿特舒乐哭丧着说“你这样会毁了我的”，并递上两张下一班去欧洲的船票。这样这位哥萨克肖邦只在新大陆停留了短短四个月。短暂羁留巴黎后，他们落脚在洛桑。虽然历史上对斯克里亚宾褒贬不一，但时至今日没有人怀疑斯克里亚宾是二十世纪初最杰出的音乐家之一。尽管斯克里亚宾没有创立任何学派，他对许多音乐家甚至其它种类的音乐都起过直接或者间接的影响。他集革命性和神秘性于一身，遥望便觉那是一条令人胆战心惊的道路。艺术中的神性或在于此？
1910 年，他回到莫斯科音乐学院担任钢琴教授。后因专心从事写作，辞去教授职位。斯克里亚宾 1915 年 4 月 27 日在莫斯科逝世，年仅 44 岁。
斯克里亚宾创作可以分为三个时期。
第一时期的作品细腻而富有诗意，这使他博得“二十世纪的肖邦”的雅号。这是模仿时期，在这些作品里，可以看到他个性的萌芽。其中最重要的有小奏鸣曲四首，第一及第二号交响曲，升 F 小调钢琴协奏曲等。
第二时期他开始和印象乐派接触，对新式和声的组合极感兴趣。在探索中产生许多新颖的成果，从而引起世界乐坛的注意，认为他是一个革命的、前进的作曲家。这使他成为新音乐的标准作家之一。他自称所创造的最奇异的和声组合为“神秘的和弦”，这是继德彪西全音阶后的又一进步。他所用的和弦不是根据大小音阶构成，他独创的音阶及和弦，使得近代调性观念发生变化。
第三时期所写的“神秘剧”的习作和草稿，显然有属于恶魔和天使两种不同的心情，神秘的心情支配着他，他想用寻常音乐的言语来表现他的喜悦。他的第七奏鸣曲充满了神秘的幻想。这一时期的作品除了奏鸣曲以外，还有管弦乐《喜悦的诗》、《普罗米修斯》以及一些钢琴曲。在《普罗米修斯》中，他希望演奏大厅沉浸在由他设计的“色彩风琴”所引起的变幻色彩中，并给合唱团团员穿上白色的服装，做预先设计好的动作。
他的早期作品均为钢琴曲，包括一部钢琴协奏曲、 10 首马祖卡、 12 首练习曲、 24 首前奏曲、 2 首即兴曲等。创作深受肖邦影响，音乐富于浪漫色彩和幻想性，也不乏戏剧性的激情。 1900 年起主要创作交响音乐，包括第一和第二交响曲、第三交响曲《神圣之诗》、管弦乐《狂喜之诗》和交响诗《普罗米修斯》（又名《火之诗》）。后期潜心探讨唯心主义哲学，音乐创作运用多调性和无调性手法，并自创神秘和弦（即四度和弦）。在《普罗米修斯》中使用“色彩风琴”，以求得音乐与光和色的协调通感作用。他的 10 首钢琴奏鸣曲中自第六首起放弃任何调号，调性模糊。 10 首中较有名的有第二《奏鸣幻想曲》、第三《精神状态》、第五《狂喜之诗》、第七《吉利弥撒曲》等。他在近代俄罗斯音乐的发展上有一定影响。
斯克里亚宾在音乐史中一直是位有争议的人物，近年来对他的研究又开始升温。他的哲学思想、神秘主义观念、综合艺术理念和非传统的创作技法给后人留下了许多不解之谜，并对现代主义音乐影响极大。他对传统和声功能的瓦解和在现代和声上的探索，成为在 19 世纪与 20 世纪音乐的转型中搭起的一座桥梁。 巴托克
巴托克 · 贝拉 （ Bartok Bela，1881 － 1945 ）
现代最重要的作曲家之一。生于匈牙利的纳吉圣米克洛斯，自幼学习音乐，十岁登台演奏自作钢琴曲。 1903 年毕业于布达佩斯音乐学院， 1907 年任该院钢琴教授。
1905 年开始从事匈牙利民歌的收集、整理、研究工作，并将研究范围扩大到东欧各国、北非和土耳其，收集民歌达三万首以上。并对民歌的结构来源作了科学的分析，写了三部论著和数篇文章。这对他的创作产生了强烈的影响，形成了以民间特点为主，充满节奏活力与丰富想象的独特风格。
主要作品有歌剧《蓝胡子公爵的城堡》，舞剧《奇异的满大人》，乐队曲《舞蹈组曲》、《弦乐打击乐与钢片琴的音乐》、《乐队协奏曲》，三部钢琴协奏曲，六部弦乐四重奏以及许多乐曲、钢琴曲。其生活与创作道路坎坷不平，经历了两次世界大战；由于法西斯迫害，于 1940 年流亡美国，生活凄苦，精神孤独，终因白血病客死他乡。
普罗科菲耶夫
谢尔盖·普罗科菲耶夫（ Sergei Prokofiev，1891-1953 ）前苏联作曲家、钢琴家。自幼学习音乐。
1904 年入彼得堡音乐学院，在毕业演奏会上独奏自己创作的《降 D 大调第一钢琴协奏曲》并获安东·鲁宾斯坦奖。
最初以钢琴家身份活跃在国内外乐坛。
他早期作品的音乐语言清新而有朝气，继承了古典传统而又有大胆革新的精神，某些作品则受现代主义影响；晚期作品风格简朴而抒情，尤以《第七交响曲》最为典型。
主要作品还有童话歌剧《三个桔子的爱情》，交响童话《彼得与狼》，声乐 - 交响组曲《冬日的篝火》，舞剧《罗密欧与朱丽叶》、《灰姑娘》、《宝石花》，清唱剧《亚历山大·涅夫斯基》、《保卫和平》，歌剧《战争与和平》，以及不少钢琴、小提琴的器乐作品。是当代杰出的作曲家之一。
关于普罗科菲耶夫的创作特征，他自己曾在《自传》中有所论述：……这里我想谈谈我的创作发展的几条主线。
第一条是古典的线，我很小就听妈妈弹贝多芬的奏鸣曲，这条线是早在我童年时期就开始的。它有时以新古典主义的形式出现（奏鸣曲、协奏曲），有时又仿效十八世纪的古典作品（加沃特舞曲、《古典交响曲》，《小交响曲》也受它的影响）。
第二条是创新的线，它发轫于塔涅耶夫刺痛了我的“简单和声”的那次会面。起初它只是我寻找自己的和声语言的一些探索，后来却成了追寻表现强烈感情的语言的探索了（《幽灵》、《绝望》、《魅力》《讽刺》、《斯基夫人组曲》以及《浪漫曲》 Op.23 、《赌徒》、《他们七个人》、五重奏、《第二交响曲》 中的点点滴滴）。虽然它主要涉及的是和声语言，但其中也有旋律音调。乐器法和剧情发展方面的创新问题。
第三条是托卡塔的线，如果你愿意，也不妨称之为“运动的线”，它也许源自舒曼的托卡塔，该曲一度曾给我留下深刻的印象（练习曲 NO ． 2 、托卡塔 Op.11 、谐谑 曲 Op.12， 第二协奏曲中的谐准曲、第五协奏曲中的托卡塔，还有《斯基夫人组曲》和《钢之跳跃》中的一些音型或第三协奏曲中的一些段落）。这条线也许是最不重要的。
第四条是抒情的线：起初它以抒情沉思的形式出现，有时与旋律法关系不大，至少是与长的旋律不大相干（《童话故事》 Op.3 《梦》、《秋》、《传奇》 Op.12 ），有时又用在较长的旋律上。
格什温
乔治·格什温 （ George Gershwin，1898 -1937 ）美国著名作曲家。
生于纽约布鲁克林，曾广泛接触和研究通俗音乐领域的各种体裁风格，写过大量的流行歌曲和数十部歌舞表演、音乐剧，是百老汇舞台和好莱坞的名作曲家。
1924 年为保尔·怀特曼的爵士音乐会写了《蓝色狂想曲》获得巨大成功，影响了美国和其他国家的作曲家在作品中运用爵士的手法。接着，创作了管弦乐曲《一个美国人在巴黎》、《第二狂想曲》、《古巴序曲》，并以描写黑人生活的歌剧《波姬与贝丝》达到创作的顶点。
1937 年夏因脑癌去世，年仅三十九岁。
格什温的卓越贡献是把德彪西和拉赫马尼诺夫的风格与美国的爵士乐风格结合了起来。他的歌曲总是活泼有趣，温柔清新；大型乐曲则节奏明快，和声优美，富于幽默感，既有独特的个性，又是典型的美国风格，因而具有持久的艺术魅力。
普朗克
弗朗西斯·普朗克（ Francis Poulenc, 1899-1963 ）
法国作曲家，钢琴家，法国 " 六人团 " 成员之一。
1899 年 1 月 7 日出生于巴黎一个富裕的制药商家庭。早年曾随瓦因斯学习钢琴。
1921 年又曾随克什兰（ Charles Koechlin ）学习作曲，但从未进入过正规的音乐学院。
一次大战期间，曾在海军部担任打字员。在此前后结识了米约、奥里克（ Georges Auric ）和萨蒂（ Satie ）。
1917 年创作了第一部声乐作品，受到斯特拉温斯基和佳吉列夫（ Diaghilev ）的鼓励。
1920 年，他与几位作曲家的交往，被评论家科莱（ Henri Collet ）称为是法国六人团。
他们反对浪漫乐派，对抗包括德彪西在内的法国音乐传统。他一直渴望大歌剧的创作，但认为自己的技巧方面还存在缺陷，所以一直到 1947 年才写了第一部歌剧。
他一生总共创作了三部歌剧，一些管风琴、大键琴、钢琴协奏曲，以及室内乐作品、钢琴作品和少量的管弦乐作品。
1935 之后，他为法国男中音歌唱家贝尔纳克（ Pierre Bernac ）写了大量艺术歌曲。
普朗克于 1963 年 1 月 30 日逝世于巴黎。
普朗克的创作强调旋律的造型美，他的创作只要是自然音与旋律性的，饰之以不谐和性，他所表达的情感常常是欢乐与忧愁的混合。在处理独奏乐器上有独到之处，所以协奏曲都有较高的评介，而宗教音乐曲调优美，令人沉浸于喜悦之中，承袭了海顿的传统。其音乐本质上是即兴式的，早起创作多有喜悦的明亮，耳罩后的作品渐渐向内收敛，有结晶的效果。
主要作品：芭蕾音乐《母鹿》、宗教作品《声母悼歌》、《管风琴协奏曲》、《钢琴协奏曲》、《双钢琴协奏曲》以及一系列钢琴小品。
雅纳切克
里奥斯·雅纳切克（Janacek, Leos 1854 ～ 1928 ）
里奥斯·雅纳切克被认为是捷克音乐的推动者。令人不解的是，他直到耳顺之年才真正创出石破天惊的作品，而自此之后他便飞 黄腾达。他的音乐中有令人难以置信的旋律活力，有时候则浪 漫得让人肝肠寸断。雅纳切克对捷克的民族文化深深迷恋，这 显然是他灵感的一大泉源，并清楚地反映在他的音乐之中。
雅纳切克家中共有十四个兄弟姐妹，不论从哪一方面来看 他都算得上是聪明的小孩，在很小的时候，他的父亲就已看出 他的音乐天分。雅纳切克家境并不富裕，因此只能送他上修道院求学，修道院中有个极有天分的老师，为杨纳杰克的音乐修 养打下了良好的基础。雅纳切克决定成为一名音乐老师，其后 在求学的修道院任教。
想当然耳的是身为一名教师并未能提供他所想要的创作灵感，这从他的作品中就可以看得出来;他早期的作品大致上是呆板而缺乏独特的精神。雅纳切克自己也深知这一点，于是他努力攒下一些钱，前往布拉格的管风琴学校以求得灵感和更高 深的知识。一年后学成离校，又学了其它很多东西，心里一直 有个自己办学的想望。
他的音乐理念在当时相当激进，例如他认为音乐的节奏应与口语断句相配合，甚至配合虫鸣鸟唱。他对此一概念甚为执着，而这些理论后来证明也不像刚听到时那么奇怪。自此以后 有许多作曲家也将此原则奉为圭臬，例如梅湘 (Messiaen,1908 的《异国的琴鸟》 (Oiseaux exotiques) 就是将鸟鸣声以音乐方式表现之旷世奇作。
时光飞逝，雅纳切克仍未在音乐上有任何重大突破，他却继续坚持他「口语断句」及民俗风格的音乐理念。直到一九一 六年，布拉格国家歌剧院同意上演他的歌剧 《耶努法》 (Jenufa ) 时，他的音乐生涯才展露一线曙光。这次的公演获致空前的 胜利，没有多久这出歌剧就在全欧各地上演。
他在最后十二年 间写作了不少奇佳的作品，其中包括歌剧、合唱曲、独奏曲及室内乐曲，六十四岁时，在他仍为已婚之身的状况下，他爱上了另一个女人，她为这位风烛残年的作曲家带来了新的灵感，创作了他最好的数首作品，包括一百弦乐四重奏题名为《心书 》 (Intimate Letters) 的。 乔普林
斯科特·乔普林（ Scott Joplin ,1868 — 1917 ）
生于美国得克萨斯一个音乐家庭，父亲是小提琴手，母亲会弹班卓琴，两个哥哥，一个擅长小提琴和钢琴，一个有一副好歌喉。
小时候就学会了弹钢琴。在邻居一位德国音乐家的免费教授下，乔普林学会了乐理和记谱，并在童年时就接触到了欧洲音乐大师们的作品，对于当时普遍缺少专业训练和学习的黑人音乐家，乔普林的童年是幸运的。
家境的困窘使得乔普林不得不在自己刚步入青年时，就外出靠表演卖艺谋生。在流浪过程中，他熟悉了黑人的各类民间音乐。
1895 年乔普林来到圣路易斯，这里成为他后来的主要居住地。圣路易斯的黑人区当时己经颇具规模，其中著名的栗树街和市场街，以妓院和酒吧出名繁华一时。乔普林就受雇在这里的银圆酒吧弹琴。“银圆”的老板是当地名流约翰·特平，他绰号“老实人”，酷爱雷格泰姆音乐，所以“银圆”成为四方音乐家云集并切磋技艺的好地方，这为乔普林博采众长兼容并蓄提供了保证。经过在“银圆”的演奏生涯乔普林己经成为雷格泰姆音乐的一位大家。
在圣路易斯和密苏里州的其他城市，乔普林呆了 10 年，他弹奏钢琴，组织歌咏队和乐队，还开始著书立说。他率领自己的得克萨斯混声四重奏歌咏队在各地巡回演出以此让公众熟悉自己的作品，并希望获得出版商的注意。这一时期，乔普林发表了多支歌曲和器乐曲，这些乐曲基本上还是传统意义上的作品，但乔普林在演奏它们时，却已经运用切分的手法，只不过在记谱时他用了传统方法省略了切分，因为他担心出版商们不会接受这种新的音乐形式。
1898 年，雷格泰姆乐已经在全美流行开来，乔普林的切分演奏作品终于盼到了出版的机会。
1899 年 3 月他的《真正雷格泰姆曲集》出版，同年，一位白人出版商斯达克在枫叶俱乐部听到乔普林演奏的一首雷格泰姆乐曲，十分喜欢，就用 50 美元买下了它的版权，这首曲子，就是流传后世的《枫叶雷格》。对技巧要求很高的《枫叶雷格是后世每位雷格泰姆音乐家必弹的名曲，为切分钢琴演奏开创了新纪元。斯达克和乔普林的合作也从这首曲子开始。在以后的几年间两人以高标准的要求选定曲目出版、发行了大批雷格泰姆音乐的杰作，斯达克由此成为当时美国最主要的雷格泰姆音乐出版商。
《枫叶雷格》在出版的第一个 10 年，销售出了几十万份曲谱，这使得乔普林雄心大增，他不再弹奏钢琴，回到圣路易斯专门从事创作和教学。
1903 年，他曾经演出了用雷格泰姆创作的歌剧《贵宾》，当年又公演了自己创作的配乐舞蹈诗朗诵《雷格泰姆舞》都很受欢迎。由此激发了他创作大歌剧的欲望。
1911 年，他的煌煌大作——第二部歌剧《特里莫尼萨》完成，但是出版商对这部巨作能否盈利抱怀疑态度，乔普林只好自费出版了这部多达 230 页的钢琴总谱。这使他在经济上大受打击，没有能力把这部巨作完整地展示在舞台上，只好忍痛把它压缩成一部在音乐会上演出的小歌剧。
1915 年，在纽约哈莱姆的一家音乐厅中，压缩版的《特里莫尼萨》举行了它的第一次也是最后一次公演，演出显得过分寒酸，观众们的冷淡反应证明，演出彻彻底底失败了。
1917 年，这位“雷格泰姆之王”在孤独和郁闷中死去，死时还不到 50 岁。
乔普林创作的钢琴曲有《枫叶雷格》、《演艺人》、《华尔街雷格》等。还创作了最早期的两部雷格泰姆歌剧《贵宾》和《特里莫尼萨》。生前他的音乐创作未引起人们重视，直到 20 世纪 70 年代中叶以后，经美国钢琴家乔舒亚·里夫金的努力宣传，方被人们所赏识。
勋柏格
奥诺德·勋柏格（ Aunold Schonberg，1874-1951 ）奥地利作曲家，与其门生威柏恩和贝尔格一起形成“新维也纳乐派”为十二音作曲技法的开山鼻祖，基本上自学成才。
早期作品受勃拉姆斯、瓦格纳影响，后逐渐倾向于无调性，二十年代创十二音体系。他认为古典的意念，古典的形式与古典音乐的基础——大小调体系都是过时的东西，在调性限制的范围内是不可能写出好乐曲来的，因此他抛弃了音乐的调性，代之以半音阶风格的十二音体系，从而开创了二十世纪现代主义的音乐理论。
他 1933 年流亡到美国，后入美国籍。
晚年创作由朗诵、男声合唱、管弦乐演出的名作《华沙幸存者》，用音乐向纳粹提出强烈的抗议。其音乐理论与作曲体系对世界有较大影响，主要著作有《和声学理论》、《和声的结构功能》和《作曲基本原理》等。
斯特拉文斯基
伊戈尔·菲德洛维奇·斯特拉文斯基（ Igor Fedorovitch Stravinsky，1882-1971 ）
美籍俄国作曲家、指挥家和钢琴家。
1901 年入彼得堡大学攻读法律， 1903 年师从里姆斯基 - 柯萨科夫学习作曲， 1909 年起写了许多著名的芭蕾舞音乐，享有世界声誉。
第一次大战期间在瑞士居住， 1920 年起为法国公民， 1939 年开始定居美国，从事指挥和创作活动。
他是现代主义音乐的重要代表之一，其创作大致可分三个时期：俄罗斯风格时期、新古典主义时期、序列主义时期。
早期创作以著名的三部芭蕾舞《火鸟》、《彼得卢什卡》、《春之祭》为代表，既有鲜明的俄罗斯风格，也有强烈的原始表现主义色彩；中期创作以舞剧《普尔契涅拉》、清唱剧《俄狄普斯王》、《圣诗交响曲》、歌剧《浪子历程》以及一些器乐作品为代表，将古典音乐的特点与现代音乐的语言结合起来；晚期创作应用了韦伯恩的序列音乐手法，代表作有舞剧《阿贡》、电视音乐剧《洪水》、管弦乐曲《乐队变奏曲》等。 米约
达律斯·米约（ Darius Milhaud，1892-1974 ）法国作曲家。
1892 年 9 月 4 日生于艾克斯。
7 岁开始学小提琴 ，后入巴黎音乐学院学小提琴和作曲。
1916 年到巴西任职。
1918 年回巴黎，成为六人团一员。
1940 年去美国任教。
1947 年回巴黎音乐学院任教。
作品有声乐套曲《花名录》，芭蕾《屋顶上的牛》、《创世记》，歌剧《克里斯托夫·哥伦布》、《玻利瓦尔》，康塔塔《火的城堡》等，还有许多电影配乐。他的作品早期强调节奏、力度，常采用街头音乐的原始音调；后期喜用多调性手法，曲调纯朴；晚年风格趋于稳定、温和，与古典主义音乐的联系明显。
他为家乡这一地区树立了一座优美的纪念碑，那就是管弦乐《普罗旺斯组曲》 (1937) ， 采用了 18 世纪初的作曲家安德雷·冈普拉的旋律。
米约还创作了大量乐曲，作曲之神速为 20 世纪所罕见。作品有钢琴曲，室内乐 ( 其中帕首弦乐四重奏特别值得一提 ) ，组曲，奏鸣曲，交响曲，电影音乐，芭蕾舞剧，歌曲，康塔塔和歌剧。
米约属于古典气质的艺术家，不爱发表理论，不爱创立体系，但是非常敏感地接受各种启发，并十分自然地将它们化为音乐表情：如管弦乐舞曲《巴西回忆》 (1920 一 1921 ，后改编为钢琴曲 ) 中的巴西民间旋律和节奏，芭蕾舞剧《世界之创造》 (1924 ) 中的萨克斯管，散拍切分音和蓝调三度。他的音乐以抒情为主，既巧夺天工又坦率朴素，曲式清晰而有条理 ; 向听众作客观陈述，而不倾吐衷肠。
米约的音乐中反复出现多调性的技巧手法，许多同时代作曲家也常用这一技巧。多调性是同时并用两个或两个以上调性写作音乐，两个旋律线与和声层各用各的调同时响出。
卡巴列夫斯基
德米特里·鲍里索维奇·卡巴列夫斯基（ Dmitri Borisovich Kabalevsky，1904-1987 ）
前苏联作曲家、教育家、音乐社会活动家。
1904 年出生于圣彼得堡。6岁学钢琴，8岁正式学音乐。
1918 年全家迁居莫斯科。1919 年考入莫斯科第三音乐学校， 1922 年毕业，考入莫斯科音乐学院，师从米亚斯科夫斯基学习作曲，从斯克里亚宾学习钢琴。
1929 年于作曲系毕业， 1930 年于格登威森钢琴系毕业。他的毕业作品《第一钢琴协奏曲》获优异成绩。
1932 年苏联作曲家协会成立后，他参与筹组莫斯科分会，担任不同行政职务，并撰写许多论文，评论苏联音乐与作曲家。
1934 年创作的《第二交响曲》驰名国际乐坛。后又创作了《第二钢琴协奏曲》、歌剧《哥拉·布勒尼翁》、儿童剧《发旺家与丑角》。
1938 年创作组曲《丑角》，电影音乐《肖尔斯》和《第四交响曲》，同年被聘为莫斯科音乐学院教授。
70 年代后在莫斯科教育大学音乐教育学部授予他创立的“卡巴列夫斯基教育体系”，主持俄罗斯联邦共和国教育部成立的“音乐实验室”工作，辞去音乐学院教授职务，致力于中小学音乐教育，边有著名的《卡巴列夫斯基教学大纲》。大纲以苏霍姆林斯基的“音乐教育－－不是培养音乐家，首先是培养人”为主导思想。
80 年代创办并主编音乐刊物《学校教育》。
1987 年卒于莫斯科。
他的作品以通俗的、自然音阶的语言为主。他的四部交响曲有三部是追思列宁的。西欧各国较多熟悉的是他的器乐曲，而歌剧和轻歌剧等主要在苏联国内演出。
梅西安
奥利维埃·梅西安（ Olivier Messiaen, 1908 -1992 ）
现代法国著名作曲家，管风琴家，教师。二十世纪作曲家中重要代表人物之一。
1908 年 12 月 10 日，生于法国的阿维尼翁。在父母的鼓励下，很小即立志成为音乐家，七岁开始尝试作曲。
1919 年，梅西安 11 岁时进入了巴黎音乐院。在校学习期间，他的老师主要有加隆、考萨德 ( 对位与赋格 ) 、杜卡 ( 作曲 ) 和迪普雷 ( 即兴演奏与管风琴 ) 。由于学习成绩优异，各科均曾获奖。
1930 年毕业后即担任圣三一大教堂首席管风琴师，在这个职位上连续工作了四十多年。
1936 年开始在巴黎音乐师范学院和圣乐学校任教，同时与勒絮尔、博德里埃和若利韦共同组建了“青年法兰西”小组，法西斯德国入侵后，小组停止了活动。
1940 年，梅西安被入侵的纳粹德军俘虏，在战俘营中创作了《时间结束四重奏》（ 1941 年 ) ，并为五千战俘演奏了此曲。
1941 年获释后，在巴黎音乐院担任和声教授。
1944 年出版了他的理论著作《我的音乐语言技术》，书中总结了他的音乐思想。
1966 年，在巴黎音乐院又担任了作曲教授，次年还被选为该院校委会委员。这一年，在鲁瓦艺术节上还创立了以他的名字命名的一项国际钢琴比赛。
1971 年荣获伊拉斯莫斯奖。
梅西安在长期的作曲生涯中，经历了不同的创作期，每个时期都在音乐构思与手法上有新的变化，但在创作上，始终贯穿着两个重要特点。首先是，节奏在他的音乐语言中有主导地位，他自称是“作曲家与节奏学家”。他把古希腊的奇数节奏、古印度的各种节奏与德彪西的脱离调性和律动的节奏以及斯特拉文斯基的节奏结构，加以变化发展运用到他的作品中。他的方法是采用对称与非对称的节奏型态和特殊的节奏组合，例如：以分数的方法扩展或缩短时值，依次递增或递减时值，不可逆转的节奏等。在他的器乐作品中，小节线可能只是对指挥起引导作用。第二个特点是，对音色特别重视，他把音色与音高、节奏放在同等重要的地位。他对音色怀有全新概念：声音与颜色有密不可分的联系，某一声音或某些声音的组合会产生某种颜色。在和声色彩方面也显示出梅西昂的独特个性，他不拘一格把调性、无调性、调式和系列手法结合在一起，形成了自己的和声体系。
1992 年 4 月 27 日（或 28 日），梅西安在法国巴黎逝世。
钢琴代表作有：《圣婴的二十默想》、《前奏曲集》、《阿门的幻想》、《鸟鸣集》等。
巴伯
赛谬尔·巴伯（ Samuel Barber, 1910-1981 ）
1910 年出生于美国宾夕法尼亚州的西切斯特。
他 14 岁进入费城柯蒂斯专科学院学习作曲、钢琴和声乐。
1928 年梅诺蒂也进入该校并与他成为同窗共师斯卡莱罗。
1932 年毕业后赴意大利深造。
1933 年巴伯开始有作品公演。
1935 年获普利策奖学金。
1936 年获美国学院罗马大奖。
1938 年托斯卡尼尼指挥了他的《弦乐柔板》而让他真正一举成名。之后，他的作品在纽约、波士顿和费城由瓦尔特、库塞维茨基、莱因斯朵夫和奥曼迪等人指挥首演成功。巴伯虽然置身于美洲新大陆，但音乐却深具欧洲传统风格，有人甚至认为比较保守。他的作品优雅华丽且富于旋律性，其浪漫主义特色充分地表现在《多佛海滩》、大提琴奏鸣曲和第一交响曲等作品中。
主要作品有歌剧三部，交响曲两部，小提琴、大提琴、钢琴协奏曲多部，以及流传颇广的弦乐合奏曲《柔板》和不少脍炙人口的独唱曲等。
伯恩斯坦
雷昂纳德·伯恩斯坦（ Leonard Bernstein，1918-1990）美国指挥家、作曲家。曾就读于哈佛大学和柯蒂斯音乐学校。
1943 年任纽约爱乐乐团的副指挥， 1958 年成为该团第一个美国指挥。他在任的十一年间，正是该团的黄金时代，此间他曾荣获“桂冠指挥家”的称号，从此一举确立了第一流指挥家的名声。
1969 年辞去指挥职务专门从事作曲，但仍在欧洲各地作客席指挥而引人注目。享有纽约交响乐团桂冠指挥家的称号。
奥地利于 1977 年举行了“伯恩斯坦音乐节”来表彰他的艺术活动。
他创作的著名作品有《耶利米交响曲》，第二交响曲《渴望的年代》，小提琴独奏、弦乐和打击乐的《小夜曲》，舞剧《幻想自由》等。他写的通俗音乐剧《镇上》和《奇妙的城镇》是百老汇经常上演的剧目。
伯恩斯坦最有研究的是马勒的作品，堪称为“马勒专家”。他的指挥风格理智而直率，并富有时代精神。他认为“真正的指挥应该是这样：他们以身体的动作代替语言，对乐队来说，指挥必须运用这种方法来表现他所要求的东西。”在激动时或处理高潮时，他甚至会跳起来。伯恩斯坦最大的特点是能够把自己的感觉全部表现出来。
--------------------------- 挺实用啊，不过这些人的音乐你都听过么？感觉怎样啊 你对“现代音乐中新调式音阶结构特征及表现风格”有什么看法么？ :yociexp106:怎么没有小猫捏…………
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